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他一生都没学会“画画” 作品却卖了9个亿

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他一生都没学会“画画” 作品却卖了9个亿
来源:某某画苑 时间:2019-12-14 专注广州美术培训
本文阅读提示:波洛克,艺术家,艺术

如果不身处艺术行业之中,大多数人对于艺术的概念便是梵高、达芬奇、莫奈,放在国内则是齐白石、徐悲鸿、张大千等等……将他们的代表作搞混了自然也无可厚非。虽然有时看不懂他们的画,但艺术作品中传递出来的或真实,或优美,或深沉、悲怆的感受,像音乐一样无国界。

但是也有一些作品,被供养在艺术的殿堂之中,像与大众之却隔着一堵厚厚的高墙。特别是那些创作年代与我们愈近的当代作品,我们愈是难以捕捉它的含义。小部分人称在观看时感受到了美、如音乐的律动,但大部分开始质疑艺术的欺骗性。

【艺术云云】系列就是专门介绍这些看起来让人匪夷所思的艺术家,首位介绍的艺术家是来自美国的波洛克。

也许你对波洛克的名字与作品有所耳闻,但多少充满困惑。

你可能在某个艺术新闻网站、美术馆看到它那些看起来简直是“胡来”的作品,以为只是某些无聊的表演艺术,然而每回旁人提点你它值多少多少钱,这名艺术家又是在美国艺术史上占有何等地位时,你开始在要坚持自己的第一想法——这就是骗人的艺术,还是认可那些官方定调之间左右摇摆……

《1948年第5号》

2006年,波洛克一幅作品《1948年第5号》以1.4亿美元(在当时约9亿元人民币)的价格被一名金融家买入,刷新当时全球绘画作品最高价格,直到后来被保罗塞尚的《玩纸牌的人》所打破(2.5亿美元)。

波洛克是谁?为何他的名字会与美国艺术史联系在一起?又为何能超越众多名声极高的欧洲画家受市场所高捧,那些充满斑点与线条的画作又该以什么样的眼光去看待和欣赏?

波洛克出生于美国怀俄明洲的一个农场,在他之前还有四名哥哥,这五位兄弟之中后来有三名最终成为了画家。他曾在洛杉矶手工艺术高中学习,但期间曾被学校两度开除,最后是勉强毕了业。


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1935年作品


1938年作品


1930年,18岁的波洛克前往纽约艺术学生联盟求学,师从美国乡土画派大师本顿。他初期的画里可以看到老师本顿的影子,其他艺术家如米开朗基罗、西盖罗斯、奥罗兹科、里维拉、格列柯及毕加索都对他的创作产生了影响。


1939年末作品

在纽约,他也像其他未来的抽象表现主义画家一样受雇于“联邦艺术计划署”,这是一个美国政府在大萧条期间为解决艺术家的生计问题而设立的计划。为了在大萧条中生存过来,他还画过挂盘,打扫教室……

当时波洛克的风格虽然还不是目前的滴画法,但同样是强调粗矿的笔触、自由的线条、构图不受拘束。但这些作品除了收获来自少部分认可之外,每至展览时,几乎难以售出。

40年代早期作品

生活的窘迫与创作上所遭遇的冷落使波洛克的酗酒情况越发严重,他开始接受心理治疗。

虽然波洛克的滴画法直到1947年才登场,但这种看起来十分自如、充满暴动与力量的作画方法,在他的很早的艺术生涯里就埋下了伏笔。


米罗《小丑狂欢节》

1936年,24岁的波洛克在MOMA的超现实主义画展上偶遇米罗的作品,米罗的作品像上图所示,画面上飘浮着儿童画般符号。但正是这些画吸引起他的兴趣,吸引他开始了解超现实主义画派在“自动书写”及“生物形态主义”。



40年早期及中期作品

波洛克的作品之所以走入大众的视野,与当时的收藏家古根海姆女士及艺评人的欣赏不无关系。

1942年,在艺评家格拉汉姆的牵线下,波洛克的作品《诞生》与毕加索、马蒂斯等大师同台展出。波洛克还被格拉汉姆称为“美国最伟大的画家”。

1942年秋,波洛克结识著名艺术收藏家-佩吉·古根海姆。.jpg

抽象表现主义艺术家群照

1943年,古根海姆女士在其所设的本世纪艺术画廊上为波洛克举办了第一场个展,《母狼》一作引起了纽约现代艺术博物馆(MOMA)馆长阿尔弗雷德·巴尔的关注,后来MOMA成为首个收藏波洛克的博物馆。

在开始采用滴画法创作作品时,外界的反响更多是质疑。直到透过摄像头,外界观察到这些怪异作品的创作过程时,人们开始重新评估这些画作的意义。充满力量的、情绪化的、自我的、无意识的投入状态让外界嗅到了革新的味道。

虽然被归纳为抽象表现主义画派,但它与达达主义一样,艺术家们并没有一个特别统一的风格,如果说有什么一致的信条或原则,那么便是不遵循某种既成的艺术信条,强调“自动主义”,通过自动书写与自由动作来表现艺术家的个性。

创作时,艺术家没有一个明确的母题,像超现实主义画派一样强调无意识地创作。波洛克全情投入于画布上,围着这些巨幅的画作来回走动甚至踩在了画布里,将棍子伸入成罐的油漆里,让油漆沿着棍子挥洒或滴落在画布上,甚至全程这些作画工作完全没有直接碰触到画布。

当这幅画完成时,波洛克会从画面上裁下满意的一部分,然后才确定画面的上下方。

看波洛克创作时的视频,你会感觉到身体力量在其间的作用,透过这些平面的作品,我们看到的是艺术家创作时的“动作”。也因此,这类画家被称为“行动画派”。这些画成为记艺术家作画状态的形式,它强调速创作者的情绪与激情,而这种记录形式同样是艺术。

波洛克曾说,“现代艺术家生活在一个机器时代,我们有机器手段来逼真地描绘客观对象,如相机、照片。在我看来,艺术家的工作是表现内在世界——换句话说——是表现活力、运动以及其他的内在力量。……现代主义艺术家的着眼点是时间和空间,他表现情感,而不是图解社会。”

一旦波洛克进入绘画,他称,他意识不到自己在画什么。只有在完成以后才明白我做了什么。“我不担心产生变化、毁坏形象等等。因为绘画有其自身的生命。我试图让它自然呈现。只有当我和绘画分离时,结果才会很混乱。相反,一切都会变得很协调,轻松地涂抹、刮掉,绘画就这样自然地诞生了。”

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站在型制巨大的原画前,这种沉浸式的观赏使观众几乎要被作品吸纳其中。与传统的架上绘画不同,这类作品没有一个经过仔细考量的构图以及视觉中心,观看时你的眼睛被迫在画面上四处游走,而那些甚至厚得能够形成阴影的笔触就艺术家“将颜料泼洒在观众的脸上”一般。

行动绘画成为美国摆脱欧洲传统绘画方式的大胆宣言与反叛,它给欧洲绘画带来了震撼的一击,正如另一名抽象表现主义艺术家德·库宁则称:“画家时不时地要摧毁绘画,塞尚是这样,毕加索是这样,波洛克也是。他把我们对绘画的观念彻底摧毁了。”

美国的抽象表现主义艺术运动始于40年代初期,在50年代后期渐渐落幕。而波洛克在创作了大量的滴画作品、尝遍各式各样的画法与材料之后,他觉得这种形式的作品已经达到了一个极限。

晚期作品

1950年开始,他开始了更多风格上的尝试,但却没有受到外界的认可,艺术界认为他在倒退。1952年的《蓝柱》可以被视为他最后挣扎倒下前的昙花一现。

《蓝柱》

在寻找新的艺术语言的过程,波洛克愈发崩溃,他甚至曾在外人面前失望地称,“你想,假如我知道怎么好好地画一只手,我会去画这种废物吗?”

在一次酒后驾驶事故中,波洛克充满激情的一生画下了句号,年仅44岁。

虽然波洛克的作品被视为自发、无意识、无序的,能够真正欣赏认可这些画的价值的圈子也很小,但确实也有不少人在初次见到这些作品时,被作品所感染。后来,有研究人员发现波洛克的作品拥种分形之美。

分形即指一个几何形状可以被分成数个部分,且每一部分都近似于整体缩小后的形状,具有自相似的性质。这种原理原本是用于数学领域,但它也适用其他看似复杂混乱的事物。

大自然中存在许多分形例子,比如 叶子、云、海浪、星系等等。研究人员将波洛克的画进行实验后,发现它们也有同样的效果,或许这就是一个可能完全不懂艺术的人迷上波洛克的原因,因为看这些画所带来的精神感受就像你在端祥一片叶子的纹理、或者身处森林一样。



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